Extreme Sticky Note Experiments

Derek Gores

En sus retratos collage, Derek Gores recicla revistas, etiquetas, datos y materiales análogos y digitales encontrados variados para crear las obras sobre lienzo. La serie muestra los intereses contrastantes Gores 'en la belleza viva de la figura, la estética del diseño angular y abstracta de la moda, y un sentido audaz de juego. Sus lienzos de obras de arte se exhiben en galerías de Nueva York, Los Angeles, Chicago, Sydney, Colonia, Miami, Santa Fe y más. Clientes de diseño Gores 'incluyen Dwell Magazine, Lincoln Motor Co., ESPN, Lenny Kravitz, Lucasfilm, Kings of Leon, U2, Adidas, Madonna, Harley Davidson, Standard colectiva, la Liga Nacional de Fútbol, ​​LiveNation, SEIU y mucho más.

La Escuela de Rhode Island de la vida de diseño de posgrado y trabaja en Melbourne, Florida, expositoras y curando a los advenedizos audaces allí, rodeado por el intelecto y la cultura de la Costa Espacial. Derek tuvo el honor de tener su obra seleccionada para la esperanza Manifiesto DC exposición coincidiendo con la inauguración presidencial en 2009, y en 2010 fue nombrado "Uno de los 40 artistas importantes del Nuevo Movimiento Contemporáneo", mientras que en una exposición en Londres.

"Me gusta que mis dibujos apenas se juntan con las burlas pequeños detalles. Algo así como la forma en que la mente no puede dejar de pasear, incluso cuando se trata de centrarse en una cosa. En los collages, algunas de las pequeñas cosas que utilizo son deliberados, pero en la mayoría confío en el azar para ayudar a construir un resultado final más interesante de lo que podría haber previsto. Un amigo lo llama una "narrativa Zen". "

Sus temas son simplemente figuras y objetos en un espacio, influidos por los héroes Gustav Klimt, Egon Schiele, Franz Kline, Rube Goldberg, Max Ernst, y, "esas grandes viejas fotos de larga exposición de Abraham Lincoln, donde se puede sentir toda la hora dentro de cada imagen. Me encanta esa quietud zumbido. me refiero a una belleza clásica, pero hecha de piezas en bruto y geométricas y un-diseñado. Mi asignatura real en las mujeres figurativos es el estudio de 'Feroz'. Fuerza, la honestidad, la vulnerabilidad- admirado con el máximo respeto. No estoy interesado en pesados, conscientes conceptos hago algo simple y dejar que los elementos se combinan en la cabeza, que reaccionan con cada historia que el espectador pone sobre la mesa. Cuando todo va bien, espero poder crear un experiencia real, en lugar de sólo una foto de una experiencia. Pero eso suena un poco demasiado grande ... realmente estoy siempre con la esperanza de que la sensación de tener los sentidos de un niño, donde todo es nuevo ".















http://derekgores.com/



Storm Elvin Thorgenson

Storm Thorgenson nació en febrero de 1944 en Inglaterra. Dedicó su carrera de artista gráfico a colaborar con muchas bandas icónicas en la historia de la música, tales como Pink Floyd, The Mars Volta, Black Sabbath; aportan identidad a cada una de ellas con cada artwork que hacía, creando un impacto visual por lo llamativo de las mismas. Muchas de ellas simples pero con un inmenso contenido simbólico, que terminaba representando el concepto de dichos discos. Usualmente, la banda se acercaba a él dándole ideas concretas, palabras clave sobre de qué iba el disco y él, después, mostraba propuestas para que la banda  eligiera. Así fue como muchos discos, “Dark Side of the Moon” es el más famoso, fueron ilustrados. Repasemos algunos de ellos.


Dark Side of the Moon (1973) – Pink Floyd. Es quizá la obra más popular de la banda por su accesibilidad, concepto, atmósfera y musicalidad. Pink Floyd siempre acudió a Storm para sus portadas y para este disco no fue la excepción. La banda le hizo una solicitud fácil de entender: “Simple and bold” (directo y sencillo), luego, Storm le mostró a la banda lo que, quizás, es el artwork más emblemático y representativo que ha tenido un disco en toda la historia de la música: un prisma descomponiendo la luz blanca en los colores del arcoiris; símbolo, también, de lo que representaba asistir a uno de los increíbles shows que montaba la banda en vivo.




Stomp 442
 (1995) – Anthrax. La banda de Thrash Metal solicitó los servicios de Storm para hacer la portada de este disco, y vaya que no decepcionó con el concepto. La bola de metal es verdadera, está hecha con partes viejas de autos americanos, porque la banda es americana. Es de metal porque Anthrax es una banda pesada del género Metal y el tamaño de esa gigantesca bola es un simbolismo de lo grande que es Anthrax para el género.




God and Satan
 (2010) – Biffy Clyro. Aunque no es una banda de renombre internacional, tiene suficientes méritos para recibir muchas buenas críticas por su propuesta de rock alternativo. Los Escoceses acudieron a Storm para hacer varios trabajos conforme se acercaba la fecha de release para “Only Revolutions”, 5to disco de la banda. Llama la atención uno de sus sencillos, “God and Satan”, cuyo artwork tuvo un acercamiento bien sencillo. Storm colocó dos siluetas, una negra y otra blanca, simbolizando a Dios y al Diablo; al fondo se ve un jinete que se acerca poco a poco. Hay una mesa, lo que todos intuyen es que el cantante se encuentra en un dilema y conversa con ambos para tomar una decisión.



De-Loused in The Comatorium (2003) – The Mars Volta. Una banda que ya es histórica a pesar de su desafortunada separación. Tuvieron una propuesta de sonido única, tanto, que ni ellos mismos pudieron emular su original sonido, luego de sus primeros 3 discos. Storm le hizo el artwork y asumió la dirección artística de varios trabajos de la banda, uno de ellos De-Loused, un disco conceptual que relata el viaje “cósmico” de un personaje inspirado en uno de los amigos de la banda. El protagonista intenta suicidarse con una sobredosis de morfina y esto le provoca un coma de una semana, en el que experimenta visiones y tiene epifanías. La imagen muestra una cabeza en un plato, rodeado con instrumentos quirúrgicos en una sala que bien podría ser una morgue de algún tipo. No existen versiones oficiales sobre la interpretación del artwork, pero no estaría mal pensar en que la cabeza está separada de su cuerpo porque su mente está flotando de algún modo (que fue una de las tapas alternativas que salió en una versión especial del disco), dando a entender que el personaje no estaba del todo en este mundo.  



Ha cambiado la forma de grabar la música, los formatos en los que se reproducen y venden, la forma de promocionar el disco y muchas otras cosas, todas ellas dando dividendos a su modo, entregando cifras a la industria musical, siendo esto lo único que importa. Vamos a detenernos un momento allí, ¿en realidad la ganancia es “lo único que importa”? Seguramente es un punto de divergencia que separa al artista que busca hacerse millonario sin importar el “cómo” del artista, quien también quiere hacer dinero, pero sin comprometer lo único que hasta ese punto sigue sin ser corrompido: las ganas de expresarse libre y honestamente a través de su música, esta última siendo una especie en peligro de extinción; siempre con una mística diferente, con deseos de presentar el producto final de una forma en la que impacte todos los sentidos posibles.  Está comprobado que no sólo debes sonar bien, sino que debes sustentar la música con imágenes y elementos que se integren al concepto del álbum, que le ayuden al consumidor a entenderlo, que le haga pensar. En ese sentido, ilustradores como Storm Thorgenson juegan un papel clave en el mundo de la música, ¿podríamos decir que Dark Side of the Moon sería lo mismo sin la imagen del prisma? Ni ese ni muchos otros discos serían lo mismo sin su visión artística, seguramente.
































Matt Molloy

Originario de Ontario, Canadá, Matt Molloy presenta: Smeared Sky; un recuento de fotografías que se compone de cientos de capturas diferentes; todas las imágenes individuales se toman de los time lapses que dispara. En esencia: son múltiples exposiciones superpuestas.

Todos los días, Matt asiste al mismo lugar a realizar cierto número de tomas; al tener éstas, comienza el trabajo difícil, pues se encarga de separar y, más tarde, sobreponer las imágenes. Matt ha encontrado que los amaneceres funcionan mejor para su trabajo, pero cualquiera que sea el paisaje y el día que elija, las fotos de Matt suelen tener un efecto de movimiento; un efecto que eleva el tiempo e invita a reflexionar sobre él.


La cantidad de fotos que Matt realiza varía en función de algunos factores: las nubes, las estrellas o él mientras deambula en la oscuridad; lo importante recae en el intervalo de tiempo entre disparos para lograr la imagen deseada. El resultado es un conjunto de atmósferas de ensueño que estarían en una escena de novela de fantasía épica. 


"A veces las nubes se mueven rápido y hay un montón de ellas. Al apilar demasiadas fotos de un time lapse se puede conseguir algo un poco desordenado. Por lo general, trato de apilar todas las fotos para tener una idea de lo que estoy trabajando".

Matt ha capturado time lapses por cerca de tres años. Por cada día que no dispara uno, probablemente dispara dos al siguiente. "Es difícil mantenerse al día, pero es divertido para reducir la velocidad", comenta. 

"Espero que mis imágenes inspiren  a la gente para divertirse y experimentar. Sobre todo que las disfruten".



































Monica Cook

Nacida en Dalton, Georgia, en 1974, y egresada de la licenciatura de pintura en la Universidad de Arte y Diseño de Savannah, en 1996, Cook completó sus estudios en la Universidad de Artes Visuales en Nueva York, ciudad donde actualmente reside y trabaja. 

El trabajo de Cook se basa en la identidad; es una auto-descripción psicológica y emocional, un intento de despojar la pretensión y descubrir la crudeza y vulnerabilidad del ser humano. 


El trabajo de Cook ha evolucionado hacia una forma expresiva más transgresora, más sexual; los elementos que añade suelen ser representativos del estilo erótico, utilizando estos para evocar emociones e ideas a través de la belleza y la repulsión que pueden transmitir sus imágenes.































http://www.monicacookart.com/








Diego Fazio (Diego Koi)


DiegoKoi nació en Lamezia Terme (CZ) 25 octubre de 1989. Forma parte de la deleitando mundo del arte en el diseño de obras de cualquier tatuaje de peticiones diferentes puestos de trabajo. Inspirado por grandes artistas del período Edo japonés como Katsushika Hokusai (葛 饰 北 斎, Edo, 1760 - 10 de mayo de 1849), y DiegoKoi 'no logró emocionar a los ojos de las personas con sus líneas precisas y técnicas orientales. Autodidacta, con el paso del tiempo, desarrolló su técnica, volviendo a descubrir la delicadeza y la belleza que cada matiz puede "ofrecer, dejando de lado las características generales del tatuaje. Él se dedica a hacer dibujos cuerpo dándoles un gran sentido del personal que se expresa en cada paciente individual, a través de las líneas sensibles que lo rodeaban, dando lugar a formas compactas y elásticas, con el apoyo de las áreas de sombra y la imaginación de "artista que sirven para hacer el trabajo de una mezcla de lo real y lo irreal. La capacidad para percibir DiegoKoi de los cientos de matices "del claroscuro, lleva al artista a crear contrastes que tocan el alma de quien observa sus obras. Inicialmente dedicada al desarrollo de rasgos femeninos llevando a cabo la delicada psique de estas mujeres a través de sus ojos y los pliegues de la cara, dejando al espectador a investigar las emociones tranquilas que expresan. Más tarde, se dedicó a la creación de rostros que parecen gritar su desesperación y la ira de una "sociedad entera" hoy. Acerca de los elementos característicos de la técnica de la joven artista, y DiegoKoi 'logró darse a conocer en muchas áreas de su país de origen que presentan sus obras en algunas exposiciones, ganando el reconocimiento como el "Premio del Público Mejor Artista NonfermArti de 2011" y "pintura Premio sección NonfermArti 2011" otorgado personalmente en la provincia de Cosenza, en ocasión de la Nonfermarti artística 2011. En marzo de 2012, incluyendo cerca de 7.000 participantes de todo el mundo, la selección DiegoKoi gana el Premio Internacional Arte Laguna di Venezia con la obra "Juicio Final". En el mismo año en que ganó la selección de uno de los premios más prestigiosos de Italia, o el premio de El Cairo, en Milán, con los Raptus trabajo. El comienzo de 2013 coincide con la explosión de la artista multimedia, ganó el primer premio en el concurso internacional emergentes Limen artista. El 25 de enero, abrió su primera exposición internacional en Singapur, en la prestigiosa galería internacional Raffian ART (Singapur / Rusia / Israel).

Su trabajo no puede ser más perfecto. En sus obras se pueden apreciar detalles tan finos que hacen pensar al espectador que se encuentra frente a una fotografía nítida. De hecho, Facio aplica a sus dibujos técnicas de esta disciplina para darle a su obra un hiperrealismo muy característico.

Los dibujos a lápiz del artista italiano Diego Fazio son totalmente fantásticos. Con  apenas 22 años de edad este dibujante autodidacta comenzó su carrera diseñando tatuajes inspirados en la obra de Katsushika Hokusai,  desde entonces ha estado trabajando en el perfeccionamiento de la técnica de realismo fotográfico.

















 http://diegokoi.deviantart.com/





Jason Graaf

Mis pinturas son sobre escenificando una realidad alternativa, una ilusión de verosimilitud en la superficie pintada. Trato de usar objetos como un vehículo para expresarme, contar una historia o menor indicio de algo más allá de lo que realmente está pintada. Por lo tanto trato de elegir los objetos que tienen significado para mí o son artefactos de mi vida. "De Graaf con esmero los detalles de la textura de contraste y superficies difíciles de manejar de sus dispuestas claramente naturalezas muertas. Pero sus obras no son sólo manifestaciones de talento fotorrealista. Los reflejos engañosos se centran en un ámbito de la realidad que existe fuera del marco de la pintura. Él extiende la profundidad y sesga perspectiva muy ligeramente, la infusión de la pintura con un fantasma del misterio que empuja al espectador a buscar un punto de equilibrio constante































http://jasondegraaf.blogspot.mx/





Pedro Campos

Las pinturas de base hiperrealista Madrid Pedro Campos, 44, presentan un mundo que brilla. Sus temas - latas de aluminio de coque, manzanas envueltas en plástico, canicas de cristal, y las espinas de la mesa de café libros de arte - tienen un aura de brillo, perfección santificado en ellos. Son ensayos pintados a mano sobre la pureza de los elementos mundanos conmueven los sentidos con su esplendor virginal.
Hay algo un poco "Pop" de muchas de las imágenes de Campos. Sus frascos de caramelos de goma apelarían a Wayne Thiebaud, y sus latas de Coca-Cola parece asentir a Andy Warhol. Por supuesto, Warhol dijo la famosa frase de que el Pop Art se trata de "gustar de las cosas" y Campos se trata de gusto, y mucho más. Con su gran habilidad pictórica, aumentada por la experiencia en la restauración de arte, Campos es un artista que ha meditado profundamente sobre la presencia de las cosas, y que a su vez dota a cada objeto que pinta con un toque de la metafísica.


Campos tiene el temperamento de un viejo maestro, y utiliza herramientas y métodos con gran confianza pintores tradicionales. Desde muy joven, Campos trabajó en una variedad de entornos creativos, clubes nocturnos y restaurantes de decoración, y también trabajando para agencias de publicidad como ilustrador. También estudió restauración de arte en Madrid, trabajando en muebles, pinturas y esculturas. No fue hasta los 30 años que finalmente tomó la pintura de aceite y comenzó a forjar su carrera como artista.
Su trabajo como restaurador perfeccionó su precisión innata. "Creo que la influencia de la restauración en el desarrollo de mi propia manera de pintar ha sido importante", dice Campos. "La restauración de las áreas perdidas en pinturas antiguas obliga a buscar excatitude en color: cualquier intervención personal debe pasar desapercibido." Restauración Campos también enseñó a luchar por una "realidad global" y para someter su pincelada. Él es un artista modesto cuyo virtuosismo técnico no deja ningún rastro de ego.
Aunque su arte se basa en la fotografía, Campos intenta ir más allá de lo fotográfico para crear una estética distintiva que es sólo suyo.Curiosamente, él admira a una amplia gama de artistas contemporáneos no por su apego a cualquier estilo o ideas particulares, pero debido a su llamativa individualidad. Campos considera que Lucien Freud, Richard Estes, Francis Bacon, Antonio López, y Anish Kapoor tienen esta cualidad de "distinción" en sus obras
Distinción personal del Campo - su capacidad para crear obras de suprema claridad y pureza - le vincula al realismo maestros como Jan Van Eyck y Francisco de Zurbarán. Comprometidos con la peculiar magia de la representación, la pintura abstracta tiene poco interés por Campos:
"La obra de los grandes maestros en toda la historia es el mejor argumento que tenemos para pintores realistas para oponerse a la idea creciente de que sólo la pintura abstracta es arte. Un simple paseo por el Louvre o el Prado debería ser suficiente para que cualquiera pueda cambiar de opinión al respecto . "
Mirando por encima de una presentación de diapositivas de las pinturas Campos 'bien puede tener el mismo efecto.


http://www.pedrocampos.net/index.htm
























Era perfectamente natural

“Era perfectamente natural que te acordaras de él a la hora de las nostalgias, cuando uno se deja corromper por esas ausencias que llamamos recuerdos y hay que remendar con palabras y con imágenes tanto hueco insaciable.”

 Julio Cortázar.



Piper Heidsieck y Louboutin.

Champagne y tacòn de cristal ò Piper Heidsieck y Louboutin.El fabricante de Champagne Piper Heidsieck ha formado equipo con el gran Louboutin para sacar al mercado èsta caja tan glamourosa denominada “Le Rituel” que incluye botella de Champagne y zapato de cristal



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