Jos Karis ´´Josephtailor´´

El  artista Jos Karis trabaja bajo el nombre Josephtailor crear una variedad de piezas escultóricas en diferentes medios. Entre los ejemplos de su sitio web parece ser un torso de cartón piedra cubierta con un collage de fotos porno gay, y también una serie de penes fabricados de yeso. El cerebro funciona inmediatamente trae a la mente las memorias del pene de Cynthia Plaster Caster, famosa (conocidos, incluso) para preservar en forma de yeso de los miembros erectos de músicos notables. Moldes Josephtailor parecen ser anónimas (su sitio es corto en detalle), pero él tiene más del resultado final. Cynthia también ha hecho moldes de las mujeres, pero no lo suficiente como para crear una gran pared de la vagina como el británico Jamie McCartney.















Jamie Mc Cartney sigue lo que ve y lo transforma a sus ideas. Juega con una variedad de viejos y nuevos medios. Con el ritmo, Lightplay, la música en las formas y la repetición, construido con alicates, tornillos, martillos y yunques. Un diseño robusto a la vez contemporáneo y atemporal. Sus creaciones son generalmente mucho tiempo invertido en la fabricación, pero nunca son tan complicadas que no puede ser fácilmente entendido y utilizado. Sus collares, bolsas y objetos elaborados de malla son (a veces) miles de anillos, argollas mismas que son abiertas y cerradas a mano, usando nada más que un par de alicates. A veces parece estar en forma para el trabajo de un monje. Debido a la apariencia a menudo resistente, es usable por ambos sexos.
Su estilo radica en las artes y oficios del nuevo milenio y tal vez No sería justo para ponerlo en un estilo particular, pero utiliza elementos del arte-deco, el minimalismo contemporáneo, diseño gótico de moda y joyería (para mostrar la belleza de los materiales en objetos portátiles) y el arte, creando magníficamente hermosas esculturas de pared. Y que la belleza no pierde nada de su encanto, ya que están hechas de metal. Por el contrario, según Josephtailor, el tiempo se acaba con una pieza, y ellas sólo piden a gritos ser tocados y tocados, y elaborarlos es bastante relajante.


Julio Galán (Pintor Mexicano)

Julio Galán (1959-2006), mexicano. Su obra toma las características nacionales mexicanas y las aleja de toda idealización por medio de un intensa creatividad provocando una renovación artística en su país. En sus cuadros se sintetizan innumerables líneas de influencia. Todo es reunido, recreado y convertido en una constante referencia a sí mismo y a una visión de lo real de una extrema subjetividad.
Nació el 5 de diciembre de 1959 en Múzquiz, Coahuila. Estudió la carrera de arquitectura en la Universidad de Monterrey, la que dejó inconclusa, para finalmente dedicarse exclusivamente a la pintura. Radicó la mayor parte de su vida en Monterrey, a dónde llegó a estudiar desde los nueve años de edad. Tuvo estancias en Nueva York y Europa. Realizó gran cantidad de exhibiciones individuales. A los veinte años de edad, en 1979, obtiene el segundo premio laureado de pintura del Centro de Arte Vitro Monterrey. Su primer galerista individual en Monterrey es Guillermo Sepúlveda, de la Galería Arte Actual Mexicano, desde 1980.
Julio Galán destaca por haber renovado el panorama de la plástica mexicana de los años 1980. La obra de Galán se caracteriza por que retoma el nacionalismo, los ideales mexicanos exentos de idealización, llevados a una realidad que toca el drama, el humor, el sarcasmo y lo cotidiano, pero con una carga fuerte de vanidad, con trazos gruesos, colores opacos y cuestionamientos profundos del "yo" son parte esencial de su obra.






















Jorge Figueroa Acosta (Pintor Mexicano)

Jorge Figueroa Acosta (1942-), mexicano. Haciendo uso de las formas geométricas en la construcción de las abundantes figuras femeninas que pueblan su obra logra, dentro de un estilo neofigurativo, trabajos equilibrados, de elaborados colores, de un bien dosificado erotismo.
La infancia y la adolescencia de Jorge Figuero transcurrieron en Cananea, cuando dicha ciudad era considerada uno de los centros neurálgicos en la producción minera del norte de México, en tiempos en que los insumos militares de los Estados Unidos de Norteamérica aumentaron considerablemente debido a la participación del país vecino en la Segunda Guerra Mundial.1
Su madre fue María Acosta Ramírez. Su padre, Jesús María Figueroa, era mestizo de ascendencia Yaqui, pueblo que aún en esa época continuó siendo acosado como resabio de la persecución porfirista y a pesar del reconocimiento legítimo otorgado a la etnia por el Gobierno del General Lázaro Cárdenas. Debido a la discriminación de que era objeto la familia, por las costumbres inherentes a su cultura, y por las exigencias de su trabajo, Jesús María Figueroa cambió sus apellidos y registró a sus hijos con los apellidos Figueroa Acosta.2
En su infancia y durante sus estudios en la escuela primaria a la que asistía en Cananea, la convivencia de Jorge Figueroa con sus compañeros de aula se vio empañada por las provocaciones de que era objeto por su ascendencia indígena, aún cuando dicha estirpe ya no era evidente en lo fisonómico debido a la dilución del mestizaje.
Durante sus años como estudiante en la escuela secundaria a la que asistía, también en Cananea, tuvo contacto con el Maestro Roberto Cota N., profesor de dibujo y pintura que le imparte las primeras lecciones de pintura. Durante esa etapa adolescente, el maestro Cota invitó al joven Figueroa a colaborar en la producción de escenografías, en su mayoría telones decorativos, para los festivales artísticos que se llevaban a cabo en la misma escuela. Su cercanía con el maestro Roberto Cota, y las actividades desarrolladas bajo su tutela, contribuyeron a despertar el deseo por expresarse a través de las artes plásticas.
La mujer como temática en la obra pictórica y escultórica de Jorge Figueroa ha sido desarrollada a partir de los postulados neofigurativos que revitalizaron el protagonismo de la figura como fundamento para ampliar el contexto conceptual dentro del modernismo pictórico de la segunda mitad del siglo XX.
el caballete y a partir de formas que son generadas desde la estructura morfológica del cuerpo femenino, en función del cual la composición total del espacio pictórico emana como un apéndice de la forma. Así, Jorge Figueroa determina en su obra una nueva propiedad humanista para la figura femenina, contribuyendo a resignificar el humanismo moderno en un entorno social caracterizado por el consumo reiterado de imágenes.
Con técnicas como el óleo, el acrílico, y la acuarela, Jorge Figueroa aborda varias categorías estéticas en torno a la percepción de lo femenino como tema central y las características semánticas que determinan su naturaleza. Dentro de dichas categorías, la exaltación de la belleza del corpus femenino es el origen para introducir al público en sus obras en las que conviven otras cualidades tales como lo sublime, lo fantástico, e, incluso, lo enigmático en el rostro hierático de las mujeres representadas.


























Omar Pérez

Omar Ángel Pérez nació en Houston, Texas en 1963. Él descubrió a temprana edad su pasión por la construcción y la creación, tomando señales de su madre, una pintora y costurera y su padre, quien hizo la mayor parte de los juguetes de su infancia. Estudió Bellas Artes y Diseño Gráfico en la Universidad de Houston y obtuvo su BFA en 1985. Su arte como un trabajador de la madera es principalmente autodidacta y es la culminación de años de construcción de muebles finos de artesanía. Su experiencia también le llevó al mundo de la animación y el diseño de la televisión, donde en 2004 ganó un premio Emmy por su excelencia en gráficos de difusión.
 
     Como nativo de Houston, que ha visto la calidad de la artesanía fina y las artes en esta ciudad crezca de manera exponencial y que se siente orgulloso de ser parte de su comunidad de artistas dinámico y diverso. En el conjunto de su obra que abarca la paleta de mezclado culturas, modas, e incluso los alimentos que a su vez influye en su trayectoria creativa. Reflexiva en sus piezas son yuxtaposiciones de diversas maderas, colores y materiales, todo de todo el mundo, pero se mezclen en un drama divertido, sexy. Estos teatro son su invitación a contratar a un toque, cree, después de todo, que los muebles de arte debe ser utilizado. Sus piezas son en primer lugar funcional, a continuación, en segundo lugar, emocional.








Desde 1998 sus obras se han recogido y expuesto en muchos lugares incluyendo American Craft Consejo muestra en Bellevue, Washington y Atlanta, Houston Center for Contemporary Craft y varias exposiciones grupales. En 2008 se construyó un marco importante para Mequitta Ahuja y su pintura expuesta en el Museo de Bellas Artes de Houston. El Adelle Looscan Biblioteca es otro lugar Houston donde está instalado su obra. Ha sido nombrado miembro del Consejo de Administración del Centro para la Artesanía Contemporánea Houston, aquí su trabajo, un escritorio de oficina con carácter permanente en el departamento del Director Ejecutivo. Él es el más orgulloso de la de piezas únicas creadas para los coleccionistas privados y diseñadores. Aquí las relaciones personales se inflama y la creatividad es una colaboración de la visión e inspiración.
 
     Más recientemente su Stilett serie "O" de altísimos tacones esculturas ha disfrutado de mucho interés. Sus piezas lúdicas explorar el mundo sádico fetiche por los zapatos de cualquier fashionista. En sus palabras, "como una expresión de agradecimiento, te ofrezco mi gratitud a todas las mujeres que sufren la tortura de usar zapatos de tacón tipo. Su sacrificio no pasa desapercibido. "Un par de esculturas de sus zapatos está ahora en exhibición en el Museo de Arte de Fuller en Brockton, MA. La exhibición acorde se llama "The Perfect Fit: Zapatos de contar historias", y viajará a varios lugares de los Estados Unidos hasta 2013.
Te dejo su web Omar Pérez













The pleasure of

David Renshaw

En el fondo siempre supe lo que quería hacer para ganarme la vida y en mis años escolares recuerdo que mi padre me enseñó algunos de los elementos básicos del dibujo y soñaba con convertirse algún día en un artista.

Ser único  interesado realmente en el arte dejé la escuela y estudie Diseño Gráfico, después comenze a trabajar en una galería de arte local como un enmarcador de imagen.

Me siguió interesando pintar  mi trabajo, principalmente el desarrollo de técnicas e ideas y en 2005 decidí que era hora de seguir mis sueños y me dedique a la pintura de tiempo completo.

Yo siempre trato de hacer mi trabajo excelente,  siento la atmósfera, y me gusta  prestar especial atención a las formaciones del cielo y de la nubes, ya que considero que éste elemento de mi trabajo es extremadamente importante para el estado de ánimo de la pintura y el acabado, ya sea una espectacular puesta de sol o una noche iluminada por la luna empañada.

En 2010 asistí a mis primeras exposiciones individuales y me siento muy privilegiado de que el trabajo ha sido muy bien recibido por los coleccionistas. Esto me da un gran estímulo para continuar desarrollando mi trabajo en el futuro.


















Mark Crilley










Dina Goldstein


Dina vive en Vancouver, BC con su familia, su marido, sus dos niñas  y un perro.

Dina ha disparado para grandes anuncios y editoriales para ganarse la vida, le encanta viajar y si se presenta la oportunidad, va saltando de país en país.
Para éste 2010 nos anticipa ´´Disparos más malvados´´ asi que estaremos esperando más muestras de ése lente y de ésa visión tan poderosa de ésta artista.














About Dina Goldstein from Dina Goldstein on Vimeo.

Xiaonan Sol

















The Portrait Art

Something Good


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Antoine Helbert


El recrea históricas escenas medievales, mundos imaginarios que van en aumento, por lo que la única forma posible de superarse en la adolescencia fue la Escuela de las Artes Decorativas de Estrasburgo.

Desde muy jóven y su pasión por la pintura lo llevaron a graduarse con título de honor en el arte desconcertante que parece llevar a cabo cualquiera de sus obras.


Antoine Helbert no solo ha destacado su participación en la ilustración y la pintura, sino en la restauración de obras de arte e inclusive su trabajo ha destacado  en el medio de la comunicación gráfica tanto para comerciales como para portadas de libros y en diversos artículos para revistas.






  
























WEB

Arkady Kim

El artista y escultor ruso Arkady Kim reveló la más grande del mundo mosaico grano de café, titulada Despertar , en Gorki Parque Central de la Cultura y el Ocio en Moscú. Con el fin de superar el récord mundial anterior en poder de artista albanés Saimir Strati, mural de Kim tuvo que cumplir con los requisitos relacionados no con la duración de la obra de arte, sino más bien con el peso de los granos.

La última pieza, que mide unos 30 metros cuadrados y pesa la friolera de 397 libras, muy significativamente superó el récord anterior de 88 libras. Kim es ahora el miembro más reciente del Libro Guinness de los Récords, adjudicado por el mural más grande de café de frijol en el mundo.

A lo largo de doce días, Kim y un equipo de cinco asistentes construyó el mural a mano. Se tuestan los granos de café para obtener una selección de tonos y las pegué uno por uno en un panel gigante, con casi un millón de piezas para completar el diseño. La obra estará disponible al público hasta el 1 de julio y será presentado como un regalo a un liofilizado cafetera en San Petersburgo.


















John Kacere


Pintor y Grabador reconocido internacionalmente, John Kacere es considerado uno de los precursores del fotorrealismo americano.

Fue un pintor abstracto desde 1950 hasta 1963, pero se mudo a un estilo realista. Ha sido considerado como foto-realista o hiperrealista, aunque nunca ha adoptado la metodologia de dichas escuelas. Desde 1963, se ha concentrado en la tematica femenina.
Cuando contaba con 12 años de edad realizo su primera obra profesional, firmada. Asistio a la escuela de arte de Chicago desde 1938 hasta 1940.
En un principio estuvo especialmente interesado por la obra de Van Gogh, Degas y Toulouse-Lautrec. Tambien cita a Holbein e Ingres como artistas predilectos.
Tras ingresar en la armada americana, Kacere realizo su primera exposicion en solitario en Cedar Rapids, Iowa. Establecido en California durante los años de la guerra, comenzo a estudiar a los artistas de vanguardia: Picasso, Miro, Klee y Matisse. Tras dejar el ejercito, Kacere estudio Bellas Artes en la Universidad de Iowa.
Comenzo su carrera docente en 1950 en la Universidad de Winnipeg, Canada. Desde entonces ha impartido clases en la University of Florida, Arizona State University, la Rhode Island School of Design, New York University, la Universidad de Nuevo Mexico, y en la Cooper Union y la Parsons School of Design en Nueva York.
Kacere ha celebrado diversas exposiciones en Nueva York. Ademas de Paris y Hamburgo, y su obra ha tenido una gran acogida en Europa.
Sus obras se pueden encontrar en diferentes COLECCIONES y MUSEOS de todo el mundo.Aqui les dejo más de sus obras.




















"AMAZEme" Festival de Londres 2012


"AMAZEme" es un proyecto artístico que une la literatura, la performance, la instalación, la imagen y el cine.


Detalles del evento

Creado por Marcos Pupo Saboya y Gualter, aMAZEme sumerge a la audiencia en un laberinto de libros.

El público inesperadamente entrar en contacto con la instalación de libros, que estimula su curiosidad, conocimiento y creatividad.



aMAZEme: A Labyrinth Made from 250,000 Books from Christopher Jobson on .


Al participar en la instalación, el público descubre nuevas texturas, imágenes y emociones. Llegan a ser rodeado, hipnotizado - con palabras y pensamientos, diseños y patrones. Parece que hay secretos que se esconden en las paredes de la instalación, las paredes de hasta 2,5 metros de altura, construidos a partir de miles de libros, que forman un gran laberinto de más de 500 metros cuadrados. La construcción del laberinto y la participación del público será filmado por las cámaras de vídeo y enviado al "aMAZEme" sitio web, así como a los sitios de medios sociales. Las pantallas táctiles se instalará para buscar información y contenido de la pantalla, que también se mostrará en los monitores de toda la instalación.

El público será capaz de navegar a través de este "laberinto libro" hipnótico y sorprendente o asistir a espectáculos diarios de figuras literarias.



Cocograph

Cocoagraph son chocolates que se han convertido en fotografías. Gracias a su creación podrás inmortalizar fotografías en una base muy dulce. La idea ha sido creada por una empresa de Filadelfia, quien imprimirá tus fotografazas estilo Polaroid en tabletas de chocolate.

Su creadora es Rae Vittorelli, una joven graduada de fotografía de la escuela de Artes Visuales de Nueva York, quien se ha especializado en 3D.

Con cualquier fotografía, logotipo o imagen podrás transformarla en una barra de chocolate, se aceptan fotos de Smartphones, Hisptamatic, archivos jpeg, scans, etc. Lo único que se necesita es que la imagen sea de buena calidad.

El proceso es simple: podrás subir la imagen al sitio, seleccionando un marco, eligiendo entre dos tamaños. Existen cuatro sabores de chocolates: chocolate con leche, chocolate blanco, chocolate orgánico, chocolate oscuro.


Tatiana Suárez



Tatiana Suárez nació en 1983 nativa de Brooklyn y radica en Miami.

Su estilo distintivo es encantador, en primer lugar, los ojos enmarcados que atraen al espectador en un mundo hermoso y surrealista.

Suárez aprovecha al máximo la capacidad de la pintura al óleo para crear imágenes cremosas y suaves sobre lienzo.

 Llena de símbolos que se derivan de ella brasileña y la herencia de El Salvador, los sujetos aparecen como si estuvieran bajo el agua, congelada en la quietud encantadora.

 Las expresiónes de ojos saltones como la mirada un niño, juegan un papel importante y también las  connotaciones sexuales, adornados con plantas, insectos y otros acompañamientos inquietantes.

La belleza se presenta simultáneamente con exóticos e incluso espeluznantes  criaturas para crear narrativas encantadas.















































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